У Аркаши

У Гоши. [/quote]
А что - Поперечный тоже поёт?

ЮРА! В АРХИВ К А.ПОПЕРЕЧНОМУ.

Добавлено (2010-08-19, 22.39.08)
---------------------------------------------
Ещё классики жанра,переблевавшие Секс Пистолс
Эксплойтед (Exploited) рулит
"Ебать США!"
http://www.youtube.com/watch?v=3bZzM4s0Hgs
"Ебать Систему!"
http://www.youtube.com/watch?v=NNAVD1MfAYo

Добавлено (2010-08-19, 22.49.34)
---------------------------------------------
Группа "Красс" (Crass) "Чё за ёб?"
http://www.youtube.com/watch?v=61Ivm3ePerI
"Следующий Колумб"
http://www.youtube.com/watch?v=u7D9aoq6wfc
"Систематическая Смерть"
http://www.youtube.com/watch?v=os8Pg4VQajI
"Они задолжали нам жизнь?"
http://www.youtube.com/watch?v=sqJhY9-qziU
"Панк - мёртв"
http://www.youtube.com/watch?v=xGjk1Y_j8QE
"Демонкраты"
http://www.youtube.com/watch?v=dDAIawZ29B8
"Стены"
http://www.youtube.com/watch?v=awP-xyV-T2s
"Спасите шахтёров"
http://www.youtube.com/watch?v=eYp9AjtHTT8

Врод всех коммерческих "панков", "рокеров", "блатных" и всё прочее уöбище!

Вот это прекрасно. Пародистка Анна Рассел исполняет псевдорусские песни. Романс с намеком на цыганщину, переходящий в ля-рюс в духе "Казачка". Исполняется на псевдорусском языке.

Стив Гэдд - один из немногих, чье мастерство уже проверено временем. Он сформировал представление целого поколения об игре на барабанах. Он вне конкуренции потому, что он - живая классика. "Стив - один из создателей этого стиля и замечательный художник на своем инструменте. Ему удалось внедрить свой уникальный стиль в то, что считается коммерческой идиомой". Дэнни Готлиб (Danny Gottlieb) - Mahavishnu Orchestra, Гил Эванс (Gil Evans), Пэт Матини (Pat Metheny)."Стив - это явление. Он делает так, что все, что он играет, имеет смысл. Это все потому, что он играет самого себя. Он, вероятно, первый парень, который обладает настоящим чувством рок и поп музыки, обладая при этом техническим арсеналом и ощущением джаза. Он уникален, он - поэзия в движении". Энди Ньюмарк (Andy Newmark) - бывший барабанщик Джона Леннона, Дэвида Боуи, Roxy Music и др. Стив Гэдд стал "своим" везде. Он с одинаковым успехом записывает джаз, фьюжн, поп музыку, латиноамериканские произведения и т.д. Действительно, его джазовые корни дают ему возможность быть партнером выдающихся звезд джаза. Среди них - Чик Кориа, Майкл Бреккер, виброфонист Майк Маниери (Mike Mainieri), контрабасист Эдди Гомез (Eddie Gomez). В то же время он играет с Эриком Клэптоном, Элом Джэрро (Al Jarreau), Полом Саймоном и многими другими. Откуда такая многостаночность? Сам Гэдд, вспоминая свои молодые годы, говорит о том, что его дядя, будучи барабанщиком, приобщал его к самой разной музыке. Стив больше всего любил слушать марши. По воскресеньям вся большая семья Гэддов отправлялась на джем сешн в один из джаз клубов Рочестера. И только представьте себе, с какими звездами довелось играть маленькому Стиву - Стэн Гетц (Stan Getz), Кармен МакРэй (Carmen MacRae). А в одиннадцать (одиннадцать!) лет Стив Гэдд играл джем сешн с самим Диззи Гиллеспи! В столь же нежном возрасте Стив начал работать в клубах родного Рочестера. Это были в основном органные трио, исполнявшие музыку, ориентированную на ритм-энд-блюз. В этих музыкальных коллективах Стив Гэдд познавал искусство второй и четвертой доли. Стив Гэдд родился 9 апреля 1945 года. Соответственно, годы становления его музыкального таланта пришлись на конец пятидесятых - начало шестидесятых. Это время рок-н-ролла, что, конечно же, повлияло на формирование манеры игры молодого музыканта. Как и любому барабанщику, в начале карьеры Гэдду приходилось играть самую разную музыку - от еврейских свадеб, до джаза и того, что в Америке называется Top 40 gigs. Именно отсюда и идет универсальность Стива. Причем, что интересно, Стив действительно создал свой собственный стиль игры, который практически без изменений употребляется им в самых разных жанрах. Сравните его соло на концерте памяти Бадди Рича 1989 года и соло в концерте Гровера Вашингтона (Grover Washington). Вы не найдете принципиальных отличий. А ведь первое сыграно в свинговой пьесе с большим джазовым оркестром, а второе - с фьюжн командой. Стив Гэдд делает ставку на убедительность исполнения и на аутентичность манеры. Иными словами все это - его изобретение, и он играет это везде, где пожелает. Это его trademark. И в то время, как все барабанщики мира сходят с ума от новой стилистики, джазмены резонно замечают, что "этот парень не наш". А ведь правда, несмотря на то, что джазовый арсенал Гэдда зиждется в основном на триольной игре Элвина Джонса, с точки зрения рафинированного джазмена это звучит не по джазовому. Но именно поиск нового звучания привлекает внимание таких музыкантов, как Чик Кориа, к личности Стива Гэдда. И Гэдд создает целый ряд действительно шедевральных записей. Окончательно стиль Стива Гэдда формируется к середине семидесятых годов. А до этого, после окончания Eastman School Of Music он играет в ансамбле с Чиком Кориа, Чаком Манджони, Джо Романо (Joe Romano) и Фрэнком Поларо (Frank Polaro). Они играют в Рочестере шесть раз в неделю. Это колоссальный опыт для молодого музыканта. К этому времени Чик уже довольно известная фигура в мире джаза. Он периодически работает в Нью-Йорке. И вот Чик-то и стал тем человеком, который изменил представления Стива о джазовом драмминге. Кориа был не вполне удовлетворен своими партнерами по ансамблю. Джо Романо был слишком увлечен Чарли Паркером, не мог взглянуть на музыку шире, а наш герой был слишком ориентированным-на-грув барабанщиком. В один прекрасный день Чик сел за барабаны (а он может!) и показал Стиву, как бы он хотел, чтобы тот играл. Это перевернуло все. Стив перестал все время играть вторую и четвертую доли хэтом, освободил конечности для более фривольной игры, и дело пошло. Более того, после этого Чик уехал на некоторое время в Нью-Йорк, а когда приехал, у Гэдда уже были не огромные барабаны, а новый, гораздо более компактный и пригодный для подобного рода музыки сет. Кстати, Вы можете послушать, что вытворяет на барабанах Чик Кориа на бонус трэках CD-версии эпохального альбома "Three Quartets". В начале семидесятых Стив вместе со своим другом Тони Левином (Tony Levin) формирует трио и едет покорять Нью-Йорк. Они играют довольно жесткую музыку, но в Нью-Йорке коллектив не выживает. Все-таки в то время Гэдд еще не такой мощный барабанщик. Об этом свидетельствует и тот факт, что он пытался попасть к братьям Бреккер, но, как сказал Рэнди Бреккер, Стив был обычным джазовым барабанщиком, а они искали замену Билли Кобэму. О вполне традиционной манере игры Стива Гэдда того времени говорят и его записи, сделанные в 1973-74 годах с Полом Дэзмондом (Paul Desmond) из квартета Дэйва Брубека (Dave Brubeck). Думаю, что даже очень информированный человек сегодня ни за что не узнает короля барабанов двадцатого века на этой записи. Остается только согласиться с утверждением коллеги Гэдда Дэна Готлиба о том, что Гэдду удалось внедрить свой стиль в то, что является неким стандартом барабанной игры. Таким образом, сама манера Гэдда стала этим самым стандартом. Это по плечу единицам. Взглянем на некоторые грани творчества этого великого музыканта, грани, которые освещают высказывания его именитых коллег.
Техника.
Стив Гэдд обладает отменной рудиментарной техникой. Это результат не только двухлетнего обучения в Manhattan School Of Music и в Eastman School Of Music в его родном Рочестере, но и игра в drum corps (маршевые ансамбли барабанщиков - искусство практически отсутствующее у нас и ярко представленное в США и Европе). Сам Стив говорит о том, что решающую роль в становлении его техники сыграл тот факт, что ему в детстве приходилось играть совершенно разную музыку, разными приемами и даже разными палками. Днем он репетировал в drum corps тяжелыми палками, а вечером играл в клубе грувы типа shuffle тонкими палками и совершенно другими приемами. Гэдд прошел настоящую классическую школу игры на малом барабане. В числе любимых инструментов Стива - парные оркестровые тарелки, на которых он добивается серьезных успехов. Гэдд затронул и другие оркестровые инструменты, но удача не сопутствовала ему в обучении игре на ксилофоне, литаврах и т.д. Видимо не было тяги. В числе любимых рудиментов Стива Гэдда - ratamaque, flam paradiddle, изобретенная им самим six stroke roll. Он с успехом использует их в игре на установке. Сегодня его незатейливый аппликатурный набор известен всему миру, но тогда… Тогда все это было в новинку. Тогда это было новое слово в технике. На смену "горизонтальному" мышлению его предшественника на барабанном Олимпе Билли Кобэма, пришло "вертикальное". Стив Гэдд не играет "пробежек" по бесчисленным том томам сверху вниз. Его заполнения более изысканны тембрально за счет применения бочки, более рваные и рельефные. Это касается и его сольной игры. Стив редко меняет что-либо в своей фразировке. Она неизменна. Принцип детского конструктора кочует из пластинки в пластинку. Все знают, что если заводится "мотоцикл" - это Гэдд играет триоли через бочку. Значит, потом будет ratamaque, разбросанный по томам и т.д. Но все эти конструкции, напоминающие детские считалочки, работают безотказно. Причина проста - это узнаваемо, эффектно и безукоризненно исполнено. В семидесятые большинство барабанщиков, отдавая дань моде, перешли на симметричную постановку. Однако Гэдд остался верен себе. Он и сегодня в большинстве случаев играет в классической барабанной постановке. Отдельного внимания заслуживает его правая нога. Дело в том, что брат Стива профессионально танцевал тэп дэнс (то, что у нас называется стэп, чечетка) и юный Гэдд тоже приобщился к этому традиционному американскому искусству. Именно отсюда происходит его уникальная техника игры на басовом барабане. Это не "пятка на педали" и не "пятка на весу". Стопа очень плавно и, я бы сказал, ловко "перекатывается" с носка на пятку и обратно. Это имеет определенный смысл. Нога находится в постоянном движении. А движение в нашем деле дает нужное расслабление, если хотите свободу. Таким приемом Стив Гэдд довольно ровно может играть цепочки восьмых в сравнительно быстром темпе. Им же он играет свои коронные самбы. Скорее всего, Стив Гэдд был первым, кто стал использовать левую руку при игре на хай хэте. Это касается и ритмов, и сольной игры с использованием рваных парадидлов. Сегодня этим никого не удивишь, но он был первым.
Студия.
"Я был поражен. Никто ничего подобного раньше не делал. Я не мог в это поверить". Дональд Фэйган (Donald Fagan) из Steely Dan после того, как Стив Гэдд со второго дубля записал барабанную партию (включая соло) пьесы "Aja" Да, Стив может и такое. Но здесь Фэйган забывает о том, что Гэдд принадлежит к элите мировых студийных музыкантов. Эти люди стоят дорого, но, обладая высочайшим классом, способны записать практически любую музыку с одного, максимум с двух дублей. И то, второй дубль делается не по причине сделанных ошибок, а для корректировки партий. А это экономит огромные деньги, которые платятся за каждый час студийного времени. Сегодня позиции Стива в значительной степени потеснили более молодые музыканты, но в 70-х и 80-х годах он был вне конкуренции. Стандартный день Стива Гэдда тех времен начинался приблизительно так: утром он подъезжал на своей машине к студии звукозаписи и, завтракая, просматривал принесенные ему ноты произведений, которые предстояло записать. Здесь есть смысл рассказать о том, как Стив Гэдд работает над нотным материалом, каковы его принципы и приоритеты в студийной работе. Сначала Стив смотрит на партию, как на дорожную карту - ищет знаки повторения, сеньо и фонари, ферматы и замедления, коду. Иными словами все, что может пригодиться в процессе чтения партии. Затем, когда структура пьесы ясна, можно более подробно остановиться на стиле музыки. Здесь встает следующая проблема. Большинство авторов и аранжировщиков в наши дни пишут не подробную партию барабанов, а схему. То есть, указана стилистика, темп и все оркестровые моменты, которые должен подчеркнуть барабанщик (например, фигура духовых в конце периода, которая просто выписывается в барабанной партии ритмически). Естественно, что такой подход требует определенного уровня подготовки от исполнителя. Предполагается, что он знает, что делать, если в начале партии написано funk или rock ballad. Но часто студийному музыканту приходится сталкиваться с подробно выписанной партией барабанов. Конечно, есть отдельные авторы, которые действительно знают, что делают, и их партии требуют точнейшего исполнения, но в большинстве случаев это написано непрофессионально, и существует реальный риск оказаться погребенным под толщей завала из нот. Стив говорит, что когда он сталкивается с подобного рода дилетантизмом, когда оркестровая партия напоминает страницу из учебника Stick Control, лучше посмотреть на указание темпа и попытаться выяснить стиль произведения. Само собой разумеется, что такой мастер, как Стив Гэдд не нуждается в детально выписанном фанковом груве. Он сам знает, что делать. Да и в любом случае, если Вы не Стив Гэдд, но Ваш наигранный рисунок мало чем отличается от написанного, сделайте все, чтобы играть именно его - будете чувствовать себя уверенно, и это тут же отразится на музыке. Теперь, когда ясно, что играть и куда двигаться по партии, Гэдд советует обратить внимание на внутреннее устройство музыки - периоды, фразы. Это даст уже более детальное представление о пьесе. Обычно в конце периодов барабанщик играет fills (заполнения) или общие ритмические фигуры. Подобные места надо посмотреть отдельно, предварительно прикинув, что в них можно будет сыграть. Любопытно то, что Стив говорит о работе с продюсером. Для начала Гэдд предлагает самый простой грув и самые простые заполнения. И только если продюсер попросит что-нибудь более сложное, изысканное, Стив предложит другой вариант, чуть более разнообразный. Вообще, все его отношение к институту продюсерства проникнуто настоящим уважением. На вопрос о том, что бы он сделал, если бы его точка зрения на партию барабанов не совпала с точкой зрения продюсера, Стив, поразмыслив, говорит, что он сделал бы то, что предложил бы продюсер. Ведь только он имеет представление о конечном результате. Причем не только в плане музыки, но и в плане коммерческого успеха, будущих продаж. Таковы грани цивилизованного бизнеса. Студийная карьера Стива Гэдда поистине безгранична. Он записывался с тысячами самых разных исполнителей в диапазоне от Чета Бэйкера (Chat Baker) до Пола Саймона (Paul Simon), от Эла ДиМеолы (Al DiMeola) до Ариты Фрэнклин (Aretha Franklin). И всегда на сессиях царит непринужденная атмосфера, если в студии Стив. Всем известна история о том, как Гэдд поочередно шуршал целлофаном от сигарет около разных микрофонов, заставив изрядно попотеть звукорежиссера, пытавшегося устранить сложную техническую проблему. Вообще, барабанная карьера Стива Гэдда началась именно со студии. В начале семидесятых, когда молодой Стив приехал в Нью-Йорк в поисках работы и, по его же словам, появлялся везде, где только можно, со своими барабанами, первое серьезное предложение, которое он получил, касалось именно студийной работы. И именно в этом направлении развивалась его карьера на начальном этапе. Обладая огромным опытом студийной работы и колоссальными навыками в области читки с листа, Стив Гэдд отнюдь не бравирует этим. Он всего лишь говорит, что, конечно, умение читать ноты очень помогает, но если Вы можете хотя бы как-то доиграть пьесу по нотам до конца, не потерявшись, это уже хорошо.
Звук.
Вполне естественно, что музыкант такого масштаба разработал и собственную звуковую концепцию. Несмотря на то, что Стив практически полжизни провел на студии, он, по его же словам, ничего не знает о процессе записи барабанов, а также об их озвучивании на концертах. У него единственный и весьма практический критерий - микрофоны не должны мешать игре. Стив Гэдд целиком полагается на свой собственный звук, который должны качественно, максимально приближенно к естественному звучанию снять звукорежиссеры.
Вот уже не один десяток лет Стив Гэдд и барабаны Yamaha неразлучны. Давайте вкратце остановимся на том, как он их настраивает. В разное время он использовал два вида пластиков - это pin stripe и обычный пластик без напыления. В обоих случаях барабаны настроены довольно низко, что дает (в сочетании с мощным туше) характерный звук "стреляющих коробок" на том томах. Это невероятно популярно среди молодых музыкантов бывшего СССР, малый барабан всегда засурдинен с помощью некоего подобия пластыря и практически не издает высоких обертонов, бочка звучит довольно кругло, но тоже серьезно заглушена. Такой попсовый звук на записях Чика Кориа привлек к джазу более широкую аудиторию. Да и игра "джазового" Гэдда сильно отличалась от классических образцов джазового драмминга.
Грув.
"Да он просто демон! У Стива есть такое ощущение расслабленности, совершенно неописуемое. Он просто "сидит" на ритме. He's a bad, bad young man." Грэди Тэйт (Grady Tate) - великий джазовый барабанщик. Конечно! Ведь это, быть может, самое главное! Именно этим Стив Гэдд заставляет джазовую аудиторию прищелкивать пальцами на вторую и четвертую доли и танцевать поклонников Эрика Клэптона. Грув Гэдда по-настоящему велик! Он (и Стив, и грув) невероятно расслаблен. Но при этом устремлен вперед. Именно это парадоксальное сочетание релаксации с неотвратимым драйвом создает удивительное ощущение. Стив говорит о том, что всегда был нацелен на ритм. Интересны его советы по этому поводу. Стив берет самый элементарный рисунок - бочка играет на первую и третью доли, а малый барабан на вторую и четвертую. Затем он играет шестнадцатые ноты на хай хэте. Потом меняет их на восьмые, и далее на четверти. Затем - в обратном порядке. Дело в том, что когда Вы играете шестнадцатые ноты, они служат как бы ориентиром, точкой отсчета. Между шестнадцатыми очень маленькое расстояние, пространство. Чем больше это пространство, тем сложнее точно попасть в следующую ноту. Поэтому, уменьшая длительность, Вы лишаете себя определенного ориентира, усложняете задачу. Конечная цель - добиться стопроцентного постоянства бочки и малого. Это, казалось бы, простое упражнение воспитывает очень важный навык - навык правильного понимания соотношения длительностей. О том же самом Стив говорит, рассуждая об увеличении темпа в два раза (переход в дубль в какой-то части пьесы). "Вы будете удивлены тем, насколько сильно вам придется сдерживать себя, чтобы удержаться в ритме. В любом случае приходится подстраиваться под метроном или клик трэк. Вопрос в том, насколько комфортно Вы себя чувствуете во время адаптации. Вы будете удивлены, обнаружив, что вторая доля появляется не так быстро, как первая. И Вы должны знать об этом! Иначе Вам будет не просто!" Стив говорит о естественных биологических "аритмичностях" нашего организма. Психологически двукратное увеличение темпа воспринимается как ускорение, что обычно и происходит с начинающими - темп убыстряется, а ведь по сути он остается неизменным. Просто вместо четвертей Вы играете восьмые, вместо восьмых - шестнадцатые и т.д. Именно такое серьезное отношение к ритму подвигнули Стива Гэдда и его друзей Ричарда Ти (Richard Tee), Корнелла Дюпри (Cornell Dupree), Эрика Гейла (Eric Gale) создать в середине семидесятых команду Stuff. Многие критики именуют ее классическим образцом фьюжн. Но, на мой взгляд, эта музыка гораздо больше похожа на R&B с некоторым фанковым уклоном. Впрочем, как бы она не называлась, основной упор в ней сделан на настоящий, я бы даже сказал, сермяжный грув. Здесь нет заумных импровизаций. Все очень ясно и просто. Эта команда функционировала с разной интенсивностью, но с одинаковым успехом в конце семидесятых - начале восьмидесятых. Затем этот проект в 1987 году получил второе рождение уже в виде группы Gadd Gang, которая успешно гастролировала и записывалась в течение нескольких лет.
Мышление.
Каждый барабанщик хочет играть как Гэдд, потому что он играет идеально… Он привнес в барабанную игру оркестровое композиционное мышление. В то же время у него потрясающее воображение и отличный свинг". Чик Кориа Невозможно не согласиться с многолетним партнером Стива великим Чиком Кориа. Все без исключения сыгранное Стивом Гэддом абсолютно безупречно по форме. Его партии безукоризненно выстроены композиционно. Играя любую песню, Гэдд использует простейший принцип - он постепенно добавляет выразительные средства, будь то новый инструмент, или более мелкие длительности. Это сродни оркестровой палитре. Краски добавляются постепенно, по мере надобности. Но это работает всегда! Что касается сольной игры, еще великий Джо Завинул (Joe Zawinul) сказал, что импровизация - это сиюминутное сочинение музыки, композиция. Это высказывание в полной мере относится к Стиву Гэдду. Но любое соло Гэдда - записано ли оно на пластинку или сыграно на концерте - образец композиционной логики. Латиноамериканские и джазовые соло, излюбленные вариации на маршевый ритм (отголосок детских пристрастий), которые могут появляться в любом музыкальном контексте, своим построением и убедительностью исполнения выводят мистера Гэдда без всякого сомнения в число великих барабанных солистов.
Искусство драмминга.
"Я люблю барабанщиков, но они же меня и разочаровывают тем, что не развивают искусство игры на барабанах. Я думаю, что единственный парень, который действительно внес многое в барабаны - это Стив Гэдд. Из тех барабанщиков, кого я слышал, Гэдд обладает наивысшим классом. Я абсолютно уверен, что сегодня в мире найдется немало барабанщиков, обладающих подобным арсеналом достоинств. Но Стив Гэдд один. Он настоящий новатор. Именно это, плюс огромный талант исполнителя, отличают его от большинства. Стив Гэдд уже давно вписал свое имя в историю барабанного искусства золотыми буквами ". Бадди Рич (Buddy Rich)
http://www.youtube.com/watch?v=wl4DKmbfDyk&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=-9hGJ7RhqiQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=X_m8mLCY7a0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=v5mDDD2_I94&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=Py0FdS-e960&feature=channel
http://www.youtube.com/watch?v=BDtX62PAdzQ&feature=channel

Слава, что означает это слово? Постоянно встречается вместе с таким выражением как драйв. Перевод ясен, а соотношение к музыки не понятно. Как лингвист объясни плиз. И свинг тоже не очень ясно по джазу термин.

Я – монах, то есть солдат. Солдат исполняет приказ начальства. Мой начальник – святейший Патриарх Алексий. Однажды я был приглашен в Патриархию и получил приказ идти с проповедью на рок-концерты, ни много ни мало. Поэтому я занимаюсь этим делом в силу послушания.

Мой путь к Богу был связан с рок-музыкой, с движением андеграунда, с движением хиппи, с активным поиском истины. Этот путь начался еще в советской стране, и продолжается сейчас, поскольку как бесконечен Господь, так бесконечен к Нему путь.

Когда мне было 13 лет, я был правильным пионером, папа, мама были коммунисты, жили мы в советской стране, где строили счастливое светлое будущее, и ничего другого мы не знали, не понимали. И вдруг где-то так около 14 лет ворвалась в мою жизнь музыка "Битлз" и вся остальная такая музыка, очень сильно все завернула, перевернула и, прежде всего, заставила задуматься над вопросами: какое светлое будущее мы строим? Как мы живем? Для чего я сюда пришел?

Я не хочу сказать, что в Советском Союзе не было России - она была, она жила. Но с тем, что было связано с духовной жизнью, с вопросами добра и зла, с поисками смысла жизни, философскими какими-то вопросами, в Советском Союзе было достаточно тяжело. Коммунистическая демагогия ответов на вопросы не давала. А вот в музыке послышались ритмы другого мира, то есть какая-то другая жизнь, другой мир, который нужно искать.

Потом с музыкой у меня теснейшим образом было связано движение хиппи – движение протеста против советской действительности. Западных хиппи я не встречал и не знаю, что они из себя представляют. У нас все это вылилось в поиск, во-первых, достойной идеи - для чего стоит жить, и в протест против советского лицемерия. Хиппи конца 70-х были молодые люди, которые просто искали истину. У нас не ругались матом, это было не принято. Что касалось вопросов свободной любви, название такое было, а по факту - женились, создавали семьи, венчались в церкви, путешествовали: молодой человек, супруга, ребеночек в рюкзаке поехали куда-нибудь автостопом. Мы активно обменивались разными книгами духовного содержания, какие только попадались, естественно, слушали рок-музыку. Все это было связано с поисками духовных истин.

Конкретно это случилось на одном из первых съездов хиппи в Прибалтике в 1977 году. Тогда нас было несколько сот человек. Нас несколько раз разгоняли, забирали, выпускали, в конце концов, оставили в покое. И вот туда приехали два очень интересных человека: один - Володя Степанов, мистик такой известный, сейчас он создал "корабль дураков", ездит где-то по Балтийскому морю, заезжает в разные порты и там проповедует какие-то мистико-оккультные теории. А второй был Константин. Мне было 17 лет, ему - 26, бывший хиппи, к тому времени он уже был псаломщиком (чтецом) в кафедральном соборе города Москвы. Константин стал нам рассказывать о православии. Вокруг него образовалась кучка молодых людей, ходили вдоль берега моря, слушали его, говорил он очень интересно. Потом я с ним познакомился, мы подружились, он дал свой телефон, сказал: "Закончится сезон автостопа, приезжай, если захочешь, мы можем дальше общаться". Что я и сделал.
Сейчас этот человек - священник, служит в одном из моих храмов.

Рок – это музыка людей ищущих, музыка людей думающих. Этим она отличается от "попсы". Рано или поздно настоящий, честный, ищущий рокер придет ко Христу и христианству, как случилось со мной, с моими друзьями. Надо сказать, что уже 30 лет как я вышел из системы хиппи, но встречаю иногда моих старых друзей. Те, кто остался жив, почти все православные, воцерковленные: кто-то священник, кто-то монах, монахиня, жена священника, кто-то при храме работает. Кстати, недавно как-то ехали молодые хиппи на Украину, проезжали через наш храм, заехали чайку попить, рассказали, что современные прибалтийские хиппи в основном исповедуют православие, а старые прибалтийские хиппи, наиболее известные, уже давно священники.

Надо сказать, что батюшки наши не с Луны упали. Наше поколение конца 70-х к вере шло довольно извилистыми, окольными путями, каждый третий батюшка на чем-то играл: на гитаре, на барабане, на синтезаторе, и это поколение людей, которые нашли Христа, православие, свою веру, посвятили этому жизнь. Мы это выстрадали, нас били в милиции за нашу веру, за наш рок, и поэтому теперь это уже неотъемлемо от нашего поколения. Вот такая Церковь XXI века.

Когда меня приглашал наш правящий архиерей, он сказал, что наше духовенство довольно косное, начитались Серафима Роуза, на все бирочки наклеили: это "сатанизм", это еще что-то, а труднее всего разбираться и работать. "Вот ты иди и работай! Потому что, где есть люди, там нужно проповедовать". Вот митрополит Антоний Сурожский сказал: "Если мне в аду поставят кафедру, я и там буду проповедовать". Я тоже там буду проповедовать, если поставят. Дальше мне сказано было так: "Всех, кто начинает, ругают. Готовься, но не смущайся. Это нормально". Поэтому сначала были люди, которым не нравилась моя деятельность, но поскольку проходят уже некоторые годы, она имеет свое продолжение, свои плоды.
Митрополит Кирилл однажды собрал нас, таких, собрал музыкантов - Костю Кинчева, Юру Шевчука, Слава Капорин был, другие музыканты - были противники и сторонники проповеди на рок-концертах. Владыка хотел в этом во всем разобраться и в результате сделал официальное заявление, что русский рок есть духовное явление, и на этом поле нужно обязательно работать Православной Церкви, всячески поддерживать это явление, русских музыкантов.

Все ругательства по поводу рок-музыки происходят с Запада, потому что там рок-музыканты дерзнули восстать на западную Церковь, которая с точки зрения Православия, есть ересь, т.е. лжеучение. Они стали замечать пороки недостойных священнослужителей, которые нам тоже всем известны. Естественно, это не понравилось, стали запрещать, находить какие-то скрытые сатанинские тексты, прокручивая тексты песен обратно. А в России мне не известны рок-музыканты, которые бы нападали на Православие, на Церковь, на христианство. Бывают некорректные высказывания, но молодые люди имеют право. Вообще поэт имеет на многое право, как и пророк. И Господь ему разрешает многое из того, что обыкновенному человеку не разрешает. Знаете, есть сословие пророков, есть сословие священников, есть сословие поэтов. Это Богом данное. Рок-музыканты – это юродствующие поэты, во многом, им дано право изобличать пороки общества, и эта сатира в роке бывает достаточно конструктивной.

Как быть, когда увлеченным рок-музыкой юноше или девушке, которые только приходят в Церковь, священник начинает запрещать слушать какую-либо музыку или что-то прочее? Понимаете, священник тоже человек, он должен учить в соответствии с учением Церкви. Современному пастырю трудно, потому что многие вопросы, возникающие в современной жизни, не имеют общеизвестного ответа. Не всегда священник дает продуманный ответ. Человек разумный скажет: "Прости, я не знаю".

Скажите, какую заповедь нарушает человек, который утром был на Литургии, а вечером идет на рок-концерт? Кто-то, может, подскажет? Какая есть в Евангелии заповедь, которую нарушает человек, который берет в руки гитару, или садится за ударную установку, или идет на рок-концерт, чтобы там, на рок-концерте изложить свое видение мира, свой поиск. Что он делает плохого?
Несомненно, рок-музыканты - не ангелы. И все-таки художник - это человек, он имеет право на поиск, имеет право на ошибки. Нельзя судить рок-музыкантов так, как судят, скажем, священника.

Я знаю случаи, когда из-за увлечения рок-музыкой люди кончали с собой. По телевизору видел, как одна барышня с этажа сбросилась от любви к какому-то рок-певцу, который умер. Она решила быть вместе с ним и последовала вслед за ним. Другие через увлечение роком стали наркоманами. Но дело не в рок-музыке. Погубить может что угодно. Как стиль рок-музыка – ни добро, ни зло.

Еще раз повторю, рок-музыка - музыка интеллектуальных людей, которая заставляет задуматься, и по своему смысловому содержанию, и по эмоциональному воздействию. Когда ты слушаешь "Пинк Флойд", перед тобою какой-то другой мир, он здесь, он рядом. Когда я, будучи атеистом, советским школьником, слушал эту группу, то все, что было с одной стороны - компартия со всем идеологическим аппаратом, советской армией, лагерями, Сталиным - все это распадалось в прах при первых звучаниях Wish you were here, Dark side of the moon. Мир, который гораздо более реальный, чем мир, который мы можем пощупать и потрогать, в этой музыке восстает.

Поэтому рок-музыка – протест против дурной действительности, скажем так. А что дальше? Вот мы все отрицаем, что дальше идти рушить и громить? Нет, надо искать выход, надо искать истину, есть же правда. Если этот мир плох - где мир, который хорош? И начинаешь искать другой мир. И ты понимаешь, что Царствие небесное внутри нас есть, что надо здесь, на Земле, созидать Царство Небесное. Сначала в себе самом, потом вокруг себя быть носителем идей Царства Небесного, воспитать себя гражданином этого Царства. Вот конечный итог, вывод восприятия рок-музыки.

Когда я впервые услышал благовестие о Христе, стал христианином, мне страшно захотелось рассказать всем моим знакомым, поделиться этим моим новым открытием. Я начал рассказывать и это имело обратный результат, люди крутили пальцем у виска. Потом я начал понимать, что мне пока нечего сказать, что мое открытие важно для меня, это откровение лично мне. Для того, чтобы говорить людям о Боге, о Христе, нужно более глубоко познать предмет. И пришлось замолчать лет, наверное, на 10-15, пока я не только не понял некоторые вещи более глубоко и тонко, но и научился излагать вслух и научился видеть, с кем говорю – хочет этот человек слушать, или не хочет, на каком языке с ним разговаривать.
Поэтому легко говорить, что священнослужители должны идти в мир, в массы. Так делают протестанты, так делают сектанты, но результат далеко не всегда бывает положительным, поскольку человек несет в массы не живое слово, не живой опыт веры и Богообщения, а какую-то буквалистику. Почему Христос говорил, как власть имеющий, а не как книжники и фарисеи, потому что он имел что-то такое в Себе, в своей Личности, что привлекало к Нему.

Вообще выходить с проповедью в массы, очень трудно. Меня на проповедь благословили, я исполняю свой воинский долг, потому что я монах. Каждый в своей области как-то старается, любой священник должен быть проповедником, любой христианин должен быть проповедником. Но для того, чтобы что-то нести, надо стяжать, а стяжается это, воспитывается, многими годами борьбы с самим собой. Сначала нужно зло в себе победить, страсти, грех, низменные свои наклонности, одержать победу над этим, сначала научиться управлять собой, потом уже идти делиться этим с окружающими людьми. В этом трудность.

Если обновленцы 20-х годов Введенский и Красницкий воевали с Церковью извне, то современные нам обновленцы разрушают ее изнутри.

Возмутительные заявления прежних обновленцев о «деканонизации святых буржуазного происхождения» только сплачивали православных вокруг Патриарха Тихона. Нынешние же заявления обновленцев повергают в шок и дезориентируют православных, так как распространяются радиостанцией «Радонеж», издательством имени Святителя Игнатия Брянчанинова и другими средствами информации, ассоциирующимися в сознании людей с Русской Православной Церковью.

Игумен Сергий Рыбко, будучи служащим священником и настоятелем храмов, публично пропагандирует психоделическую музыку «Pink Floyd», рок-культуру считает совместимой с Церковью, "одним из путей, ведущих ко Христу" а борьбу с рок-музыкой объявляет соблазном молодых душ и отталкиванием их от Церкви. Он превозносит движение хиппи как «поиски духовных идеалов», во имя которых «люди объединялись между собой, протестуя против общества бездуховности и безбожия», печатает арии своей рок-оперы «Бесценный Алмаз», в которых Христос – «первый Хиппи, Который в Палестине был убит!»

«Никакого противоречия между религией и рок-музыкой нет; вся моя жизнь об этом свидетельствует», - эгоцентрично и авторитетно заявляет игумен молодым людям с эстрады рок-концерта.

1) Потом эти провокационные заявления публикуются им в книге «Молодым сердцам Русской Земли» и повторяются в прямом эфире «Радонежа».

Что сказать на это?

Ваше высокопреподобие, о чем свидетельствует вся Ваша жизнь, говорить пока рано, об этом будет судить Бог, нам же это, равно как и Вам, не дано. Ваша же деятельность и высказывания свидетельствуют не об «отсутствии противоречий между религией и рок-музыкой», а о наличии неустранимых противоречий между Вашими представлениями о рок-музыке и реальной рок-музыкой.

Вы – не единственный, кто сталкивался с нею.

Священник Александр Колесников, бывший рок-музыкант, знает, что говорит, когда свидетельствует: "Падший ангел считается у сатанистов первым рокером".

2) Первые рокеры Америки и Европы, Ваши действующие кумиры, тоже оставили достаточно свидетельств о своей религиозной направленности.

"Вот она – четверка ливерпульских мальчиков. Они грубы, они богохульствуют, ведут себя вульгарно… И они завоевали весь мир. Они как будто основали новую религию. Они против Христа. Я хочу сказать, что я и сам против Христа, но они настолько против Него, что их богохульство даже меня шокирует". Это сказано пресс-секретарем группы "Биттлз" Дереком Тейлором в 1964 году.

3) "Во мне дьявол! Не будь во мне дьявола, я был бы христианином!!" – свидетельствовал другой отец современного рока, Джерри Ли Льюис.

4) А вот признание одного из молодых сердец Русской земли, сделанное на одном из христианских Интернет-форумов. Мы приводим его здесь, полностью сохраняя авторскую орфографию и пунктуацию.

«Я лично против любого стиля рока рок зделал наркотитескую революцыю, я сам пережил весь рок от легкого до деза после чего чуть не потерял себя, после покаяния я слушал христянский рок и он был для меня искушением.... РОК - приманка дьявола и Бог не желает Идтти к людям методами дьявола, Христянский рок - Симулятор рока для христианина (кожезаменитель)!!!!!»

5) Игумен Сергий искушает овец с помощью «кожзаменителя», популяризируя русских рокеров: Константина Кинчева с его "Алисой", группу "Если" и - себя самого, сочиняющего рок-оперу.

Теперь на этот путь встала радиостанция «Радонеж».

6) Что роднит сих "Всадников", "Славян" и "Званых" с их "Э-ээй, слушайте в себе клич живого а-гня, званый-э черэз века" с «Black Sabbath» и «Kiss»?

Что, что… « Illusion of Power », видимость силы. Демоническая гордыня.

Мельмот-Скиталец, сверхчеловек, кричащий или шепчущий фанатам свои, чередующиеся с рыком, нотации. Тон, глубоко хамский по духу, императивный, не терпящий возражений. В роке принципиально отсутствует снисхождение к личности слушателя, зато четко фиксируется отношение к аудитории как к материалу.

В этом, прежде всего, типологическая связь рока с жертвенными тамтамами хамитов Африки, куда он уходит корнями через негритянскую музыку американского юга.

Рок-музыка - это не нейтральная форма, могущая оперировать любыми текстами, как утверждают некоторые.

Музыка - это особый самобытный язык. У "Роллинг Стоунз", Осборна, "Раммов" и иже с ними он органичен, этот язык - плоть от плоти той духовности, которая порождает их тексты и имидж. Это ложная духовность, а можно сказать и точнее. Вспомните Пресли, Битлов, "Стоунз", "Доорз", "Кисс", того же Осборна и прочих первопроходчиков, ниспровергателей музыкальных, нравственных и других устоев. Именно они создали язык рок-музыки и высказывались на нем. Поэтому удивительно, когда один начинает на этом языке проповедовать о Христе, а другие - водить хороводы вокруг такого проповедника, – пишет еще один эксперт.

7) Популяризируемый о. Сергием Рыбко и «Радонежем» Константин Кинчев – настоящий, и при том тяжелый, рок-музыкант. Поэтому у него с "Black Sabbath" с их "The Illusion of Power" и «Kiss of Death» в тысячу раз больше общего, чем с любыми христианскими бардами, о. Романом Матюшиным, о. Романом Тамбергом. Осознает ли он, или нет, но он изъясняется музыкальным языком сатанистов «Черной субботы», хотя и располагает гораздо меньшим «словарным запасом». Так, "Мерседес" и "Жигули", хоть и отличаются по качеству, но ездят по одним правилам, в отличие от поездов и самолетов. В данном случае мы имеем дело с черными "Жигулями".

Их общее с «черным Мерседесом» – не только хриплый мужской речитатив вместо вокала, чередующийся с децибелами. Не только беспощадный ритм ударных, вязкие и мрачные гитарные риффы, нагнетание тяжести, наваливающийся звуковой кошмар… Но главное - зловещая окраска опуса, вызывающие, угрожающие, жлобские интонации.

Сентенции Кинчева: «крест не уронить», «правдой дорожить» и т. п., подчинены зловещему контексту рока. Мал квас все тесто квасит. Не обязательно произносить одни матерные слова, чтобы быть сквернословом. Достаточно перемежать ими речь, и эта речь будет невыносима, даже если будет состоять из призывов к нравственности.

Так, Маяковский, сюсюкая "Крошка сын к отцу пришел…", остается громилой и жлобом, на совести которого "Я люблю смотреть, как умирают дети", "хорошо в Царя вогнать обойму" и "летите, в звезды врезываясь" на смерть Есенина.

В роке есть общая интонация высказывания. Это является его ядром. Рок говорит с интонацией убийцы.

Верный этой интонации рок-певец - хоть англосакс, хоть славянин - кидает текст как откровение и одновременно оскорбление всей Вселенной. Сочащееся сквозь музыку гнетущее, тревожное, удручающее настроение смакуется рокером. В этой «синтезированной» музыке содержится культ смерти. Он органически присутствует в любом роке, какие бы тексты с ним не соединялись. При любом различии по качеству от настоящей кожи, цвет этого кожзаменителя всегда черный.

Кто обманул Кинчева, сказав ему, что рок-музыка совместима с христианской жизнью? Нет, рок-музыка продолжает дело Ницше и Рихарда Вагнера.

В этой музыке отсутствует трагизм, так как здесь нет апелляции к добру.

Если добрый Моцарт делится со слушателем, и притом очень бережно, сильнейшей личной болью, трепетом души перед непостижимостью смерти, и это сообщает музыке потрясающий трагизм, то рок ничего этого не знает. Он сам полон смерти, он ее индуцирует, он ходит с ней в обнимку. В рок-музыке смерть или предмет заигрывания и страшилок, или блатных "наездов" на смертных, доставляющих патологическое удовольствие как певцу, так и его фанатам.

В романтической маске Чайльд-Гарольда мало трагизма, хотя человек, надевший ее и пытающийся сквозь нее петь, сам, быть может, весьма трагичен. Достаточно сравнить многозначительно-заговорщицкие и при этом какие-то очень тоскливые шепты Кинчева "по вере - любовь, по религии – Крест" и т. п. с "хриповатым" криком Высоцкого "спасите наши души!", чтобы понять: хоть лицо рока и мрачнее тучи, трагизма в нем нет и в помине.

Рок никогда не испытывает боли, хотя сам бьет наотмашь.

Его жестокой, бесчеловечной стилистикой вполне вооружен Кинчев.

Морализм Кинчева исполнен чисто рокового мессианства. Он так же высокомерен, так же "давит массой", как шаманизм Битлов или сатанизм «Черной Субботы», отлученной от церкви клерикалами Англии отнюдь не за обличение ересей Запада, а за глумление над Крестом.

Рок демоничен по духу.

Рок героичен, романтичен и бесчеловечен, и Константин Кинчев, если хочет остаться человеком, пусть сбросит маску рокера.

Рок это ад. Все в нем отравлено кошмаром.

Это не «тема смерти», а сама смерть.

В отличие от «Адажио in G minor» Альбинони, Струнного квартета KV 421, 20-го Фортепианного концерта, «Дон Жуана» и Реквиема Моцарта, трио «Памяти великого артиста» Чайковского и «Памяти Соллертинского» Шостаковича, где тема смерти вызывает слезы, в рок- музыке слез не бывает.

Слезы могут быть у его жертв, но не у слушателей.

Если в христианской культуре смерть и ад показываются художниками, торжествующими с войском Победителя смерти («Днесь ад, стеня, вопиет»), или же смиренно отдающими дань естеству Адама, «плачущими и рыдающими, помышляя смерть», то в антихристианской культуре рока смерть показывается глазами убийцы. Все слезы – на чужой стороне.

Это хорошо показано в фильме Френсиса Форда Копполы «Апокалипсис сегодня», где под «Полет валькирий» Вагнера, включенный в наушниках, американские летчики совершают вертолетную атаку на вьетнамскую деревню, расстреливая и поливая напалмом беззащитных женщин и детей. Никакого плача, это настоящий рок-концерт.

"Можно творить Иисусову молитву под звуки рок-музыки", - заявил игумен Сергий на сайте АлисА-Питер. И не какой-то вообще "рок-музыки", а под "Стоунз", "Флойд", цепеллинов. Слушает о. Сергий и "АС/DС". Битлы у него - с крыльями, равно как и Осборн ("истовый католик"!).

8) Может ли грешник взывать к Иисусу о милости, одновременно бросая Ему вызов, оскорбляя Его задушевным общением с Его врагами?

Джон Леннон: «Христианство обречено. Оно увянет и исчезнет. С этим даже не нужно спорить – настолько все очевидно. Я знаю, что прав, а все остальные скоро убедятся в моей правоте. Мы сейчас куда популярнее Иисуса».

9) Если о. Сергию неизвестны эти издевательские признания его любимых Битлов, он неосведомленный дилетант.
Если известны – циник.

Можно ли творить Иисусову молитву под "Симпатию к дьяволу"?.. Пусть ответит игумену Сергию тот черный подросток, которого закололи около сцены на калифорнийском ипподроме под эту музыку его любимых Роллингов члены группировки "Ангелы ада" в 1969 году, - быть может, он призвал Имя Господа Иисуса, испуская дух.

"У себя в келье я слушаю рок-музыку и не нахожу в этом никакого противоречия моей христианской и даже монашеской жизни. То, что вело и привело меня к Богу, не может быть злом».

10) Игумен слушает у себя в келье рок… Наверное, Битлы, "Pink Floyd", "Deep Purple", "Jethro Tull", которым, судя по текстам его рок-оперы, о. Сергий внимает «как пенью птиц», составляют его духовную пищу.

11) Возможно, помолившись молитвой Благоразумного разбойника, «раеви сподобившагося», врубает он Йена Гиллана с его «Схожу с ума в раю, заберите меня отсюда, пустите меня в ад».

Или, после Молитвы ко Причащению: «ни лобзания Ти дам, яко Иуда», прослушивает арию Иуды «Too much Heaven in their mind» (« у них только Рай на уме ») из рок - оперы «Jesus Christ Superstar».

Или, после молитвы Иоанна Златоуста: «Господи, сподоби мя любити Тя от всея души моея…» включает «I don't know, how to love him…» из той же кощунственной классики рока.

«То, что вело и привело меня к Богу, не может быть злом».

12) Эта самоуверенная и опасная фраза игумена содержит ересь, так как указывает на земные обстоятельства, как на причину обращения к Богу, тогда как Писание ясно учит, что причина другая: "никто не может исповедать Иисуса Господом, как только Духом Святым". Эти обстоятельства и становятся в сознании человека идолом: «не может быть злом». Связанный этим идолопоклонством, человек боготворит зло, которым Промысел воспользовался для обращения грешника.

Блаженный Августин пришел ко Христу через астрологию и манихейство. Равноапостольный князь Владимир – через язычество, искренним и ревностным приверженцем которого он был в юности. Преподобномученице Великой княгине Елисавете Церковь поет: «Лютое убиение твоего мужа приведе тя к служению Богу и ближним». Если применить к их житиям бесстрашную логику игумена Сергия Рыбко, выйдет оправдание язычества и убийства невинных.

Привести человека к Богу может только Сам Бог. «Не вы Меня избрали, но Я вас избрал», - говорит Христос.

Обновленческое же богословие представляет «Deep Purple», «Стоунз», «Флойд», Цепеллинов, а теперь еще и Константина Кинчева собственными навигаторами Христа, что неправда.

Теперь «у себя в кельях», благодаря осваиваемой «Радонежем» концепции «навигации к Богу» через грех, вынуждены регулярно слушать рок-концерты те, кто пришел к Богу, сознательно порвав с рок-музыкой, а также и те, кто был чист от нее.

Может быть, директор «Радонежа» Никифоров или глубокоуважаемый протоиерей Владислав Свешников, на чье благословение публично ссылается Кинчев, считают рок настолько сильной приманкой для юных, что заигрывание с роком кажется им оправданным предполагаемым массовым уловлением молодежи церковной мрежею? 13) Пусть услышат, в таком случае, признания все тех же «молодых сердец», которым, как они, возможно, думают, должна безумно нравиться эта музыка.

«Самое главное это дух, с которым делается то или иное. Слова тут не причем. Под эти слова можно и головы рубить кому-то… в средние века, кстати, так и делали. А у рок-н-рола дух мятежный, и хоть в лепешку расшибись, а этого не поменяешь. Или это уже не рок».

14) «Рок бывает очень красивым и не глупым, как многие другие направления. Настоящий рок - это профессионалы с большой буквы. Но Христианский рок я считаю за доброго злодея. Это несовместимые вещи...»

15) Да, это несовместимо: рок и Христианство. Не потому, что «играть на гитаре – грех», как хочет представить позицию «фарисеев» о. Сергий. А потому что рок – это вовсе не игра на гитаре, и даже не игра на электроинструментах, которые, по убеждению о. игумена, «глубже, способны выразить больше, чем инструменты классические».

16) Рок – это определенный дух.

Привитый к Церкви, он начинает приносить определенные плоды.

Определенную духовность.

«Я надеюсь, что это будет продолжаться, и думаю, что, может быть, молодежь наконец, поймет, что Православие – это не религия бабушек, одиноких мам, многодетных семей. Что, на самом деле, истинное Православие - это религия молодых. Именно потому, что молодых мало в Православии, потому Православие с таким старушечьим лицом», - сказал, закрывая рок-концерт в Ярославле, один из его организаторов иерей Александр Смирнов.

17) Эта духовность прямо противоположна Православной Вере. Церковь учит, что за гробом праведники просветятся как солнце, и учит любить эту красоту будущего нетления в тленных и разрушающихся сосудах, учит, что старики – это слава Церкви, учит «старца не укорять, но почитать», а они откровенно брезгуют и стыдятся «старушечьего лица» Церкви.

Стыдятся тех, кто сберег для них храмы, кто вымолил их.

Стыдятся перед подростками того, чего стыдятся друг перед другом сами подростки: «бабушек, одиноких мам, многодетных семей».

И это делают священники…

Не зря говорили мы, что Хамство онтологически присуще рок-культуре.

Церковь учит, что православие – вера отцов: «Благословен еси, Господи, Боже отец наших», «Апостол проповедание и отцев догматы – благочестия великое таинство». Церковь держит Заповедь: чти отца и матерь.

А у них православие – «религия молодых», замена религии святых отцов на религию отнюдь не святых юнцов с их самоуверенностью и гордыней.

Воистину, это исполнение обещанного Пророком наказания: «Вот, Господь отнимет у Иерусалима посох и трость, храброго вождя и воина, судью и пророка, и прозорливца, и старца… И дам им отроков в начальники, и дети будут господствовать над ними» (Ис. 3:1-4).

Провозглашая господство детей в вере, «религию молодых», они ублажают в подростках те же бунтарские настроения, что и рок. Стоят с ним по одну сторону против установленной Богом власти старших. «Завидую вашему поколению!» - слышат фанаты от игумена.

18) «Людие мои, блажащие вас льстят вам!» - добавим мы.

Церковь учит благородной независимости от мира, даже если от Церкви останется, как сказал преподобный Нектарий Оптинский, «один епископ, один священник, один мирянин», а у них – заискивание перед миром, пресмыкательство перед массовкой, погоня за количеством ценой неизбежного попрания святых истин. Чего стоит грубая ересь о Христе, которую о. Сергий сначала произносит в многотысячной аудитории, а затем печатает многотысячным тиражом.

«Христос очень близок нам", - говорит о. Сергий в Ярославле поклонникам группы «Если» после исполнения этой группой песни о Христе – «таком же бродяге, как я». «Мы веруем во Христа Богочеловека», - продолжает игумен. «Одна из Ипостасей, одно из Лиц Святой Троицы воплотилось в Господе Иисусе Христе».

19) Сын Божий и Иисус Христос – одно Лицо и воплотиться Сам в Себе не может. Иисус Христос и Сын Божий есть единая Личность, собственная человеческая природа Которой сотворена Им Самим и усвоена Себе в лоне Пречистой Девы. Человек Иисус никогда не существовал отдельно от Личности Слова. Мы веруем в «Господа Иисуса Христа, … воплотившегося от Духа Свята и Марии Девы, и вочеловечшася», а не в «воплощение «одной из Ипостасей» «в Господе Иисусе Христе».

Эта древняя ересь не случайна в устах сочинителя рок-оперы. Несторианство как нельзя более подходит к учению о Христе, как о первом Хиппи.

Какой вывод можно сделать из вышесказанного?

Налицо модернизм в Церкви.

Неспособность христиан в 90-е годы объединиться, чтобы дать бой разврату и сатанизму в окружающем нас обществе и на подступах к Церкви, привела к проникновению культуры сатанизма в виде рок-музыки в ограду Церкви.

Декларируя благие цели миссионерского служения Церкви, обращения молодежи ко Христу, мнимое «воцерковление» рока служит обратному: десакрализации Церкви, девальвации нравственных устоев и Заповедей Божиих в массовом сознании молодых людей, обмирщении Церкви и потери Ею той соли, которая одна в состоянии спасти от гниения, распада и духовной смерти как отдельную душу, так и социум.

По отношению к молодежи – это предательство со стороны церковных людей. По отношению же к прошедшим через рок, обратившимся к Церкви и познавшим свет и истину, это – то, о чем сказал Апостол Петр: «Пес возвращается на свою блевотину, и: вымытая свинья идет валяться в грязи» (2 Петр. 2,22).

Рок – это культура протеста, мятежа и убийства, какой бы лирикой он не прикрывался. Поэтому он не подлежит воцерковлению ни в каком виде. Пропаганда же отцом Сергием Рыбко рок-музыки и апология культуры хиппи, проводимая им на рок-концертах и в СМИ, есть соблазн молодежи, которой отец игумен «подает вместо яйца змию».

"Батюшку трудно обвинить в модернизме, обновленчестве и экуменизме. Напротив, его взгляды отличаются строгим, бескомпромиссным следованием догматам православной веры и преданиям Святых Отцов Церкви", - представляет отца Сергия аудиоархив "Радонежа".

Увы…

"Я очень любил группу «Pink Floyd», и сейчас очень люблю, считаю непревзойденной музыкой". "Очень сожалею, что нет такого нашего русского Pink Floyd-а, который как бы выходил в какой-то другой мир".

20) На что рассчитывают модернисты? Что Церковь вместе с ними вернется, как пес на блевотину, к "Pink Floyd", согласившись, что это - "непревзойденная музыка"? Но Церковь там никогда не была и никогда не будет. Это так же невозможно, как подчинение Святой Евхаристии агапам отца Георгия Кочеткова или канонизация Григория Ефимовича Распутина.

Протоиерей Владимир Переслегин

http://news.mail.ru/society/4347815

Уже стало известно количество проданных билетов – 5 тысяч, включая разовые. Фактически это означает, что фестиваль посетило не менее трех тысяч зрителей. И если бы не проливной субботний дождь с утра, отрезавший от фестиваля большинство ожидаемых московских зрителей, эта цифра должна была минимум удвоиться.
«Я считаю, что лучше бы жара, чем дождь, - говорит организатор фестиваля Тимур Ведерников. – Была бы жара, мы бы подогнали поливальные машины, и охладили бы зрителей. А против дождя нет приема. Люди просто не поехали, увидев ливень».
Между тем, программа «Мамакабо» в нынешнем году беспрецедентна по составу мировых звезд. Пожалуй, их хватило бы на пару подобных фестивалей. Но те пять тысяч человек, что покупали билеты на «Мамакабо», получили все то, что могли ожидать – прекрасную живую музыку, отличный звук и свет, невероятную «семейную» атмосферу праздника, и даже непредсказуемые ночные джем-сейшены с участием великих, включая обладателя Grammy Говарда Леви.
Поскольку дневную сцену еще в субботу залило водой, ее пришлось перенести под крышу основного павильона культурного центра «Этномир». Здесь и стартовала программа последнего дня «Мамакабо». Задорный фолк-рок в исполнении двух девушек-красавиц и мощного аккомпанирующего состава – это нынешняя группа Yoki (и не путать с ее недавним полусамодеятельным существованием!).
Грузинский гитарный виртуоз Темур Квителашвили привык выступать с большими симфоническими оркестрами, и уже буквально в июне этого года он выступил на престижнейшей мировой сцене Карнеги Холл в Нью-Йорке, где пока не выступал ни один музыкант из бывшего СССР. Он обладатель рекорда книги Гиннесса, а в январе 2010 года выпустил свой шестой сольный альбом, композиции из которого Темур и показал на «Мамакабо». По-прежнему Квителашвили практикует изысканный полиритмичный фьюжн, с сочными вкраплениями чистого фанка и блюза.
Гаражный ретро-рок от группы The Types громко, хотя несколько бессмысленно, сотряс стены атриума, после чего вышла она из самых изысканных world-певиц страны Анна Пингина. Она известна по ряду мюзиклов - Norte Dame de Paris, «Иисус Христос – Суперзвезда», «Вестсайдская история». Но гораздо эффективнее Пингина реализует себя в качестве тонкой этно-певицы – замешивая в world-коктейль русскую аутентичную песню, актерское пение, психоделический рок, городской романс и брит-поп.
Особенно хороша Анна Пингина в лирических романсах – ее умение держать паузу восхитительно, и есть все предпосылки для превращения Пингиной в артиста первого эшелона, как только она найдет достойный своего дара репертуар.
Между тем, в кафе «Кочевник» с переаншлагом прошел мастер-класс Томми Эммануэля, а на открытой веранде прошла заключительная пресс-конференция фестиваля «Мамакабо», о которой мы уже подробно рассказали.
И пришло самое время открывать главную сцену для выступления хедлайнеров. Свинговая группа «26 герц», состоящая из музыкантов лучших московских групп, отгремела своими аристократически изысканными версиями классических свингов и блюзов. На сцену вышел Евгений Маргулис, реализовавший свою маленькую мечту. На «Блюзе о вреде пьянства» он вытащил на сцену самого Говарда Леви, и тот сыграл восхитительное соло: «И как-то звезды сошлись, ему было в кайф, и лучше выбранной нами старинной песенки ничего на свете бы не подошло», - говорит Маргулис. Да и сам российский блюзмен не плошал – играл сочными мазками, дал петь залу «по-прежнему дуру», и иронически помахивал ручками в самые ответственные моменты – особенно тогда, когда пришлось заканчивать из-за уплотнившегося расписания.
Jukebox Trio тоже не в первый раз на «Мамакабо», и ей не впервой дирижировать залом не только тогда, когда поются мировые хиты вроде The Who, но и на песнях собственного сочинения. Хит Feel Fine распевали всем полем! Что уж говорить про «Аргентину-Ямайку» от «Чайф» или No Woman No Cry?..
Максим Леонидов продолжил сетом из своих лучших песен, от времен «Секрета» до песен из последнего альбома, включая широко известное «Письмо».
Самым ожидаемым артистом «Мамакабо 2010» был, конечно, Томми Эммануэль. Он вышел на сцену после долгого ночного музицирования, но никаких следов усталости на лице! Томми знаменит уникальной гитарной техникой, когда гитара поет сразу несколькими партиями одновременно - бас, ритм, соло и перкуссия. У Томми достаточно собственного репертуара, однако он с удовольствием прибегает к песням The Beatles, чтобы явственнее продемонстрировать возможности своей техники.
Наконец, завершил фестиваль «Мамакабо» трибьют-проект Beatles, в котором вышли на сцену все звезды фестиваля. Под ночным небом «Этномира» долго раздавались битловские распевы…
А следующий фестиваль «Мамакабо» пройдет уже совсем скоро, с 12 по 18 сентября в Хорватии. В нем примут участие Ирина Богушевская, Сергей Манукян, Jukebox Trio, Алексей Романов («Воскресение»), Тимур Ведерников, Ирина Сурина и другие превосходные музыканты.

В многотысячном зале волнительное оживление. Верхний свет приглушается, пока не покроется темнотой весь зал Дворца Спорта. Из двух монстроидальных горок с акустикой, расположенных справа и слева по краям сцены, идут характерные щелчки, похожие на те, когда подключают джеки в электрогитары. Вспышка света - и под мощнейшие риффы гитар, пронизывающие весь зал и каждого из сидящих, стоящих и уже кричащих от восторга зрителей, на сцену влетает Он. Двухметровый красавец с развевающимся хайром, который в то время хотел иметь почти каждый чувак. Он, наше воплощение Роберта Планта в смеси с Ковердейлом и Гиланом. Тот, от которого каждая вторая девушка в зале, а может и в стране, желала бы иметь сына. Он, со сцены оглядывая зал и улыбаясь той неповторимой искренней улыбкой, начинал петь: «Стремления наши известны..»

Бытие

В 1980 году художественный руководитель группы «Молодые голоса» Матвей Аничкин решает поменять не только название, но стиль группы. Так появляется одна из первых рок-групп в СССР - легендарный «Круиз». Аничкин, будучи весьма одаренной и ярчайшей личностью, не мог не прочувствовать ту мощь творческого потенциала в молодых ребятах, пришедших в группу парой лет ранее, ровно как не мог не видеть актуальность рок-музыки в стране. Идя на большие риски, связанные с идеологическими форматами того времени, ребята отправились в путь по волнам успеха. «Вот песня, эта песня и она для нас пока, словно виза для Круиза, друга верного рука…»
Фронтмен «Круиза» Александр Монин стал не только голосом коллектива, но и его Душой. Начинаются золотые годы. Города за городами. «Послушай, Человек…», «Кто-то обязан быть первым», «Не позволяю душе лениться», «Красоту не остановишь, не поймаешь»... Эти песни пели с Мониным зрители всегда до отказа заполненных стадионов и дворцов спорта. Ну, а песня « Крутится волчок» становится чуть ли не главной песней всех ресторанов и танцплощадок страны в сезон 1982-1983.

Исход

Группа становится мегапопулярной, вопреки существующей официальной идеологии того времени. Не имея никаких эфиров на радио, не говоря уж о телевидении, информационная блокада была полнейшей. Голос Монина люди узнавали лишь двумя способами: приходя на концерт или через магнитофонные записи, которые сделали свое дело в популярности исполняемых Мониным песен, - их переписывали друг у друга, затаив дыхание. Давление на группу, как и на всю рок-музыку, нарастало. В 1984 году вышел знаменитый Приказ № 361 от 12 июля «О мерах по упорядочению деятельности вокально-инструментальных ансамблей, повышению идейно-художественного уровня их репертуара» Министерства Культуры СССР, практически запрещающий рок-музыку, на основании которого был насильственно расформирован «Круиз».
Ребята видели разные пути выхода из ситуации, и Монин пошел своим путем. Вместе с барабанщиком Николаем Чунусовым, гитаристом Григорием Безуглым и басистом Олегом Кузьмичевым он сделал свою группу «ЭВМ».

Левит

Это было время волнительное и опасное. Это было время зарождения новых свершений. Миллионы, десятки миллионов по всему СССР с жадностью дорывались до магнитофонов, на которых можно было послушать подпольно записанные первые альбомы русских музыкантов, пытающихся играть рок-музыку, скопированную с западных аналогов. Всё - риффы, костюмы, жесты, даже поведение на сцене - подвергалось полному «copypaste» с кумиров, в основном из английского рока. Чуть позже пошло разделение в так называемом русском роке на тех, кто копировал западные образчики, и на тех, кто под электрогитары пытался донести свои стихи, по сути КСП с электрогитарами, и с использованием иногда британской гармонической сетки в своих произведениях. И еще чуть позже пошло разделение на как бы престижный русский рок и непрестижную поп-музыку, которую «рокеры» со своими последователями брезгливо начали называть «попсой», так и не сформулировав определения оной, наверное из-за того, что сами не до конца осознали, но нутром чувствовали вторичность собственного бытия. Но это было позже. А тогда, в начале 80-х были Герои, и даже не столь важно, подражали ли они кумирам зарубежным, важно то, что они стали тут проводниками новых вибраций.
Александр Монин был тут вне конкуренции. Такое было возможно благодаря его физическим данным, он был великолепен для идеального образа рок-кумира того времени, и он был наделен еще и человеческими качествами, которые заставляли массы двигаться в русле указанным его дланью, будь то движение руки в концерте или позыв соратникам в личной жизни.

Числа

Я узнал «Круиз» в числе первых, и это меня более чем впечатлило. Уже позже, когда я стал работать с «Круизом» , я вник в то, что и отличало его от других коллективов. Саша Монин тогда только что ушел и создал «ЭВМ», и в «Круизе» остался костяк, из которого потом получилось легендарное трио «Круиз» Валерия Гаины, но дух Монина всегда витал и присутствовал рядом. Проработав с «Круизом» 6 лет до самого его развала , могу смело сказать, что иной такой группы и такого шоу не было. Начиная с весны 1985 года, когда все же Минкульт СССР разрешил группу «Круиз», выдав ей гастрольное удостоверение, было сыграно (до отъезда группы на запад по контракту с Warner Brothers) минимум по 40 концертов в месяц на стадионах и Дворцах Спорта.
«Круиз» приезжал в город и играл там серию концертов по нескольку концертов в день (я даже помню «утренники» - добавочные концерты на 11 утра) в течении нескольких дней, потом следовал переезд в другой город по маршруту, там неделя и по несколько концертов в день, и далее по маршруту. И надо сказать, что это были за концерты . Это было продолжение шоу «Путешествие на воздушном шаре», начавшееся с Мониным, концерта с шоу, готовым поспорить с шоу Пинк Флойда (а ведь в то время мы и понятия не имели, как выглядит шоу Пинк Флойда). Для того, чтобы это уникальное представление было в полной мере показано в каждом городе гастрольного тура, пока группа переезжала из города в город, за ней вслед двигалось две самых больших фуры, одна со звуком, вторая со светом, и фура со специальным сценическим оборудованием и декорациями. Обслуживали все шоу более сорока человек постановочной бригады, которая являлась частью всего дружного коллектива «Круиза». Разумеется, везде был представлен суперзвук, благо как раз эти многие тонны аппаратуры, как и мастерство звукачей, позволяли добиться такого звука в любом зале. Кроме звука, было магическое лазерное шоу и пиротехническая феерия, оригинальные акробатические номера , к примеру, номер «Паук», когда по ходу композиции над сценой возникала громадная паутина и акробат в костюме Паука начинал, летая по залу, над головами зрителей охотиться на свою жертву, девушку-акробатку, с неожиданными перемещениями их обоих от центра сценического задника в центр зала. Такие номера - это было нечто. И сам шар, громадный, более десятка метров в диаметре, весь в лазерах, он делал невероятную и невиданную ранее картину. Но главными лицами, теми, кто и делал весь перформанс, были музыканты, и основу этому положил в то время фронтмен группы Александр Монин.

Второзаконие

«Круиз» был воссоздан в 1992 году в составе, близком к первоначальному, и инициатором восстановления легендарной группы был, конечно же, Монин. Но группа, с успехом прогастролировашая на волне своего воссоединения и выпустившая пару дисков, альбом римейков и альбом новых песен, не смогла повторить свой первоначальный успех. Она потихонечку существовала, радуя своих старых фанов, взрослевших вместе с группой, выступая на рок-фестивалях и сборных рок-концертах, по рок-клубам и прочим подобным рок-мероприятиям.
Они остались верны выбранному 30 лет назад стилю и даже образу, не меняя его, оставаясь с ним, взрослея с ним, как бы говоря, что с таким стилем родились. С таким стилем и уйдем.
Монин страдал по большим залам и стадионам, по миллионам восторженных глаз, но при том остался верен себе. Его голос лишь единожды зазвучал по современным масс-медиа, когда он записал, возможно, лучшую пророческую песню в своей жизни. Это романс:
…Люди взрослые уже
И могли договорится
Видно, проще умереть
Или втихаря напиться
http://www.moskva.fm/artist....1366623

Откровение

Похороны прошли тихо. В ритуальном зале ЦКБ на прощании с Александром - близкие друзья. Такого количества длинноволосых в кожанках рокеров не видело это номенклатурное заведение. Из «Круизов» был только барабанщик Николай Чунусов, гитарист Григорий Безуглый, ярчайший басист Олег Кузьмичев да бессменный звукорежиссер тех времен Яков Берман, и один из выдающихся завпостов Андрей Нерсесян. Больше «Круизных» не было. Но были коллеги из «Мастера», «Арии» и других рок-групп, были Александр Маршал, Марина Школьник из «Лейся, Песня», Лолита, Маргарита Пушкина, Игорь Сандлер из «Интеграла» и другие.

Все они прошли проститься с тобой, Сашка. Для кого Сашок, для кого Сашенька, но для всех нас - Александр Монин!
P.S. В гроб Александру вложили орден, ведь как и положено у нас, награды находят героев после смерти.

Fusion Orchestra – «Skeleton In Armour» 1973
1. Fanfare Suite For 1000 Trampits(Part I)
2. Sonata In Z
3. Have I Left The Gas On
4. O.K Boy, Now's Our Big Chance
5. Skeleton In Armour
6. When My Mama's Not At Home
7. Don't Be Silly Jilly
8. Talk To The Man In The Sky
9. Fanfare Suite For 1000 Trampits(Part II)
Dave Bell (drums)
Colin Dawson (guitar)
Sten Land (guitar, кeyboards, percussion, horns)
Jill Saward (guitar, flute, vocals)
Paul Jennings (bass)

Формально являясь представителем хардпрога первой половины семидесятых, данный английский коллектив выделил себя активным привлечением джазовых размеров и общего настроения, выражающимся главным образом ярким вокалом Джилл Соуард и фолка. Однако ощущения эклектичности это не вызывает совершенно, поскольку "чуждые" вставки настолько гармонично вплывают в собственно хардпрог-работу, что просто диву даёшься.

1) Начинается и заканчивается альбом фанфарами Fanfairy Suite For 1000 Trampits. Это единственное, наряду с одноимённым наименованию альбома треком, что связывает основную (то бишь, музыкальную) составляющую альбома с обложечным артом. Чего неподготовленный слушатель никак не может ожидать после столь спокойного интро, так это бескомпромиссного драйвового хардпрога.
2) Sonata In Z. Даже само название композиции (любой мало-мальски сведущий в сольфеджио товарищ знает, что такого аккорда не существует) даёт понять о шутливом, стёбном её характере, о чём мы ещё не раз вспомним в течение прослушивания альбома. Трек открывается тандемом "скоростное маршеподобное отстукивание рабочего барабана + активный дисторшн, тревожно играющий в такт отстукиваниям". После чего имеем синтезированное завывание, и композиция переходит в свою основную часть: гитарист включает на своей гитаре флэнжер, бас-гитара вторит ей, что называется, вторым голосом - гитара отцепилась от хватки ударных и вступила во второй тандем, а к ударным присоединяется перкуссия в латинос-стиле. После этого и бас остаётся в одиночестве, поскольку Колин Доусон уходит в короткую импровизацию. Немного поразвлекавшись, гитарист возвращается в привычную колею, сумев разнообразить и её умелым использованием пресловутого флэнжера. Вступает вокал Джилл Соуард, вследствие чего проигрыш трансформируется в не менее симпатичную куплетную основу, аккордный состав которой слышится невооружённым ухом: Am|Dm|Em|Am. Тембр у Джилл сам по себе крайне приятный, а уж в сочетании с такой инструментальной работой кажется и вовсе чудом, особенно когда она эдак по-джазовому форсирует голос. Уже знакомые импровизации Доусона дают о себе знать в обрамлении куплетных аккордов в перерыве и... Неожиданно по-академически вклеивающиеся в общее полотно клавишные венчают собой резкое изменение ритма на более скоростной: исключительно хардовое настроение (разбавляемое лишь "по-негритянски" размашистым вокалом Джилли) сменяется джазовым: бас-гитарист Дэйв Кауэлл играет вальяжно, почти как контрабасист, а не унимающееся фортепьяно подкрепляет общую картину. Гитара отходит на второй план, и мы имеем возможность слышать лишь слайд, отрабатывающий два основных аккорда эпизода. К моменту возвращения Джилл гитара обозначает поднимающиеся аккорды, но после короткого проигрыша мы понимаем, что джаз ещё не закончился! Бушевание продолжается вновь, но теперь к нему присоединяется потрясающая своей красотой флейта. Не обходится без небесталанных импровизаций гитары. До следующего взрыва джаза происходит ещё одна смена ритма, на этот раз на медленный, с двумя аккордами в своей основе, затем группа возвращает нас к ленивым переборам гитары с басом, иногда переходящим во второй голос, и перкуссиями. Заканчивается песня короткой фортепьянной реминисценцией из классики. Песня из разряда непременных взрывов мозга.
3) Have I Left The Gas On? Снова шутливое название, не стыкующееся с визуальным артом. Повторяющийся гитарный проигрыш сменяется пассажами флейты. Возвращается гитара, теперь уже импровизирующая на фоне очень красивых аккордных ходов с динамичной бас-гитарой. Шустрый джилловский вокал, иногда сопровождаемый гитарой, вписывается в это прекрасно: девушка переходит то на дикие визги, то продолжает держать негритянско-джазовую манеру. Ближе к середине всё это великолепие останавливается, и на фоне аккордеона мягко играют нежные клавиши, созданное настроение подхватывает тандем "очередной гитарный проигрыш + фортепьяно". Смене ритма уже не удивляешься, и теперь гитара своей жёсткостью напоминает Captain Beyond образца дебютника. После нескольких тактов присоединяются перкуссии и Джилл, приятно дополняя всё это великолепие.
Бас пускается в цикл из опускающихся аккордов, и Доусон в который раз радует своими дивными импровизациями.
Проходит тактов 10, и барабанщик в полной тишине отстукивает по хэту, что знаменует собой переход к уже знакомому нам куплету с плавающими вокализами Джилл.
4) Ok Boys, Now's Our Big Chance. Окей, Парни, Это Наш Шанс! Ничего серьёзного Дэйв Кауэлл развлекается с губной гармошкой.
5) Skeleton In Armour. В основной композиции впервые слышим орган. Ритм-секция демонстрирует способности по созданию рваных ритмов. Доусон отыгрывает одну из немногих на альбоме неимпровизационных соло, и Джилл вступает с безумно красивым куплетом, что уже совсем и неудивительно. Здесь вокалистка особенно явно демонстрирует способность не быть привязанным к мотиву. Импровизировать, но не создавая дисгармонии с аккордной основной и общим ходом композиции. Иногда вокал умело заменяет соло-гитара. В середине ритм-секция переходит на шустрячок: барабанщик Дэйв Белл отстукивает по хэту, а пальцы басиста репризят активные пассажи в одном аккорде. Несложный, но симпатичный орган. Затем в рамках этого же ритма происходит переход на другой аккорд, и теперь струны со своим импровизом терзает Доусон. Несколько тактов - и возвращаемся к двум уже знакомым проигрышам - органному и гитарному, - а затем и к куплету. Джилл - это прелесть, дамы и господа! Слов нет!
6) When My Mamma's Not At Home. Впервые слышим бравурные духовые. В целом простой рок-н-ролльчик: никаких смен ритма, импровизации с аккордными ходами не поражают воображение. Всё чинно, ожидаемо. И длительность соответствующая = 3:27.
7) Don't Be Silly, Jilly. Судя по всему, обращение мужской части коллектива к вокалистке. Нечто глупенькое на клавишах.
8) Talk To The Man In The Sky. Единственное нестёбное название из всех на альбоме. Доусон с Кауэллом играют одну и ту же тревожную партию, иногда гитарист оставляет эту вотчину басисту. После этого оба разрывают тандем, но присоединяются клавишные (нечто, тембром похожее на клавесин) своими короткими зарисовками. Заканчивается вступление светлыми, позитивными доусоновскими пассажами. Когда вступает Джилл, дико радуешься. Особенно когда мотив её вокала вторит упомянутым гитарным соло. Здесь партии Джилл местами до боли напоминают нашу отечественную эстраду 70-80-х годов, например, "По Волне Моей Памяти" тухмановский. Активный, красивейший куплет с непредсказуемыми (и этим и привлекающими) аккордами и размерами повторяется несколько раз. Лид-гитарист выдумывает новый проигрыш, партия ритм-секции немного модифицируется. Проходит буквально пара-тройка тактов, и она модифицируется уже очень даже не "немного"! Основа в виде двух аккордов, и вот уже Белл буйствует за ударной установкой, а Доусон с Кауэллом в унисон терзают гитару с особым остервенением. К середине песни всё это затихает, и дают о себе знать некое вибрирующее "уууу" и звуки зимней вьюги. Акустическая ритм-гитара! Вот уж чего вряд ли можно было ожидать во всём этом красивом безумстве, так это её. Джилл под гитару поёт уже куда более мягко, хотя так же экспрессивно.
Снова изменение ритма. На этот раз в дивнейший позитивный тандем с басом объединяются клавишные, а гитара иногда прерывает его короткими импровизами. Когда музыканты возвращаются к куплету, кто- на фоне вокала Джилл шепчет отрывки из лирики.Возвращается флейта, но теперь место мелодиям уступают пространные трели на фоне постоянных изменений базового аккорда. Финал композиции - уже знакомый проигрыш, от тревожного настроения переходящий в позитивное.
9) Fanfairy Suite For 1000 Trampits. Музыканты как бы оправдываются за то, что названия, лирика и местами даже музыка получились стёбными, и в конец альбома встрамили жизнеутверждающий духовой проигрыш, отдающий средневековостью

Изумительнейший альбом. Вплетение потрясающе выразительного женского вокала в виртуозные и красивейшие инструментальные партии поражают воображение. Полбалла можно снять за When My Mamma's Not At Home. Данная композиция больше подошла бы какой-нибудь церемонии награждения или предвыборной кампании кандидата в президенты, чем альбому хардпрога 73 года.

FLAC (image + .cue):
http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=853426

MP3 (по треково):
http://musicmp3.spb.ru/artist/fusion_orchestra.html

Zip-архив (MP3/63мб):
http://www.megaupload.com/ru/?d=56EB6L1M

«Ариэль» гремел на весь Союз в конце 60-х и в 70-е годы прошлого столетия. «Резиновый дедушка» заработал в родном городе статус культовой группы в конце 80-х – начале 90-х. Решено было объединить песни обеих команд в общий диск-трибьют под названием «Легенды челябинской музыки».

«Главная идея трибьюта «Ариэля» и «Резинового дедушки» заключается в том, чтобы зафиксировать связь поколений музыкантов, предельно четко обозначить местную музыкальную традицию, – говорит продюсер «Легенд…», директор по спецпроектам 74.ru Роман Грибанов. – Кому, как не представителям СМИ, знать, как изменчиво информационное поле, как стремительно меняются события: сегодня ты собираешь полные залы, послезавтра о тебе уже не помнят. А нужно, чтобы помнили! И не только коллеги по музыкальному цеху, но и простые слушатели».

И музыкальный мир Челябинска забурлил. Участвовать в исторической записи были готовы все: рок-н-ролльщики и джазмены, исполнители оперных арий и рэпа, металлисты и мастера классической музыки, барды и панки. Творчество «Ариэля» и «Резинового дедушки» оказалось близко и понятно всем возрастам: самой юной участнице сборника – 16 лет, самому пожилому – 63.

Не остались в стороне и «московские челябинцы» – Олег Митяев записал одну из самых известных песен «Ариэля». А наши «звездные» соседи из Свердловска – «Чайф» подарили трибьюту песню «Резинового дедушки» «Делай больше денег», которую они записали в прошлом году и сейчас активно исполняют на своих концертах.

«На песнях «Ариэля» – «Зимы и весны», «В старом замке королевском» – я в детстве учился играть на гитаре, – рассказывает Олег Митяев. – Поэтому, когда представители 74.ru предложили мне участвовать в проекте трибьюта, я ощутил огромную ответственность. Посоветовался с лидером «Ариэля» Стасом Геппом и выбрал одну из самых известных их песен – «Старая пластинка». Сейчас Леонид Марголин готовит аранжировку, и к середине июля мы эту вещь запишем в Москве и передадим в Челябинск для издания на диске».

«Всегда с восторгом относился к песням Юры Богатенкова, – говорит лидер группы «Чайф» Владимир Шахрин. – «Резиновый дедушка» – это абсолютно узнаваемая авторская манера, точный слог и ясность мысли плюс отменная самоирония и потрясающая музыкальность. А еще ваш земляк Богатенков – человек прекрасный, что делает Юру исключительной личностью! Как говорил Маугли: ''Мы с тобой одной крови''».

По замыслу продюсеров, песни на трибьюте должны максимально отличаться от оригинала. Поэтому хиты «Уходишь ты» и «Шепот в прихожей» сделаны с женским вокалом (исполняют герлз-бэнд «Дежавю» и «Вельвет»). «Ариэлевская» «Волки гонят оленя» и богатенковская «Девочка из обкомовского дома» переведены на английский язык (кавер-версии представят «Джаз-Отель» и The Wheels). Ставшая благодаря «Ариэлю» суперпопопулярной в 70-х «Порушка-Пораня», с помощью группы «Система» и МС Кора превратилась в рэп-металл. А «Тишина» и «Белая лошадь» вообще стали инструментальными композициями, над ними работают Владимир Хомяков и Адик Абдурахманов.

Кроме 20 аудиодорожек, в альбоме будут два видеоклипа – на песни «Ариэля» «Заповедные места» и Юрия Богатенкова «По цехам». Вокальные партии в них пропоют полтора десятка челябинских музыкантов: Юрий Князев, Игорь Каюмов, Гарри Ананасов, Антон Лапин и другие. За барабаны сядет первый вице-губернатор Олег Грачев, а соло на саксофоне возьмет на себя Виктор Чернобровин. На съемки клипа приехал лидер «Томаса» Александр (Самуил) Самойленко.

CD+DVD. CD Land, 2010.

Авторы и вдохновители идеи, коллектив радиостанции «Наше радио», решили популяризовать русский фольклор среди молодежи, увлекающейся рок- музыкой. Первая часть сборника начала продаваться во время церемонии вручения третьей музыкальной премии в области рок-н-ролла «Чартова дюжина. Топ-13» в марте месяце этого года, а презентация второй части состоялась на фестивале «Нашествие-2010» в июле.
Если дебют «Соли», на котором свои каверы народных шлягеров представили «Чичерина», «Океан Эльзы», «Кукрыниксы», «Ночные Снайперы», «Пикник», «Ляпис Трубецкой» и другие известные рок-музыканты, звучал как-то выстраданно и натужно, то «Соль-2» искрит новыми идеями и интересными творческими ходами. Хотя не всем музыкантам удалось воплотить все, что задумывалось.
В соответствии с концепцией сборника, представлены музыканты со всех уголков необъятной России: Москва – «Мельница», «Крематорий», «Старый приятель», Санкт-Петербург – «Ива Нова», «Декабрь», «Animal ДжаZ», «Король и Шут», Екатеринбург - «Смысловые галлюцинации», Саратов – «После 11», Волгоград – «Начало века», Нижний Новгород – «Лампасы». В отличие от первой части сборника, здесь присутствуют каверы не только на отечественные песни, но и обращение к зарубежному фольклору. Группы «Мельница» и «Тролль гнет ель», известные своей любовью к кельтской культуре, исполнили мелодии «Окрасился месяц багрянцем» и «Камаринскую» так, что те засверкали небывалыми красками.
Многие команды сумели органично интегрировать в народное творчество собственный аутентичный звук. Группа «Radio Чача» украсила легендарную песню «Ой , мороз-мороз» элементами панка, капля здорового хоррора от «Короля и Шута» пошла на пользу композиции «Коробейники». Напротив, элементы хип-хопа от «Кирпичей» в шлягере «Дорогой длинною» звучат как чужеродные звуки, абсолютно не вписавшиеся в красивую русскую поэзию. Пожалуй, эта миссия идеально подошла бы герою таблоидов Noise MC.
Молодым коллективам не удалось избежать цитирования и повторов легенд мирового рока. Группа «После 11», дебют которой состоялся на «Нашем радио» всего 2 года назад, исполнила стартовую композицию сборника «Соль-2» под названием «Порушка-параня» так, что возникает ощущение, что слушаешь «Red Hot Chili Peppers» образца середины 90-х годов прошлого века, а «Смысловые галлюцинации» в песне «Разлука» неожиданно зазвучали как ранний «Наутилус Помпилиус».
Даже легендарный «Крематорий» почему-то снова, как и на заре своей карьеры, обратился к творчеству БГ и его коллег по группе. Песня «Бывали дни веселые» слишком напоминает песни раннего «Аквариума». Зато молодая питерская фолк-рок группа «Ива Нова» в составе барабанщицы Екатериной Федоровой, аккордеонистки Елены Жорник и гитаристки Инны Лишенкевич порадовала самобытной версией шлягера «Вдоль по улице метелица метёт».
Актерское мастерство проявил Максим Леонидов, исполнив песню «Из-за острова на срежень» в блюз-рок обработке с налетом уголовной романтики, и Алексей Кортнев, создавший притягательный образ ямщика в одноименной песне.
Украинская группа «Вопли Видоплясова» прославилась благодаря синтезу в своей музыке фольклора и зажигательного рок-н-ролла. Поэтому, ее появление на сборнике «Соль-2» не вызывало сомнений. Вот только песня «Щедрик», снискавшую всемирную славу, - не лучший вариант. Слова
«Щедрик, щедрик, щедрівочка,
Прилетіла ластівочка,
Стала собі щебетати,
Господаря викликати...»
... и мелодия знакомы многим с детства, и улучшить эту прекрасную украинскую рождественскую песню интерпретациями почти невозможно.
Сборник получился довольно-таки неровным. Присутствуют музыкальные блюда с солью по вкусу, а несколько представленных работ - с откровенным пересолами и недосолами. Радует то, что этот в этот раз рок-музыканты экспериментируют, и довольно смело. Значит, впереди нас ждет много интересного.

Оценка: 6 из 10.

Дмитрий ПРОЧУХАН, «Новости шоу-бизнеса NEWSmusic.ru»

Дмитрий, про кого?

Так уже получилось, что Папа Леша не любил записываться в студиях. Будучи из той же плеяды талантливых ершистых «неформалов», что и Умка, Чернецкий, Силя, Григорян, Чиж и многие-многие другие имена, - Бармутов отличался охотой к перемене мест. Он готов был давать концерты в гулких домах культуры московских технических вузов или сейшенить на квартирниках, сидеть дома с неизменной гитарой-двустволкой или часами петь на Арбате, - но отчего-то панически боялся студий. Те немногие записи, что остались, - сделаны друзьями Папы Леши на домашних студиях, и не отличаются качеством. Хотя талант Папы Леши признавали все окружающие, и предложений совершенно бесплатно записаться поступало множество! Но таково было поколение дворников и сторожей. Они не шли на компромиссы, иногда в самом важном и необходимом. Это несгибаемые, стальные люди. Таких теперь не делают…
Отсюда явный перекос в имеющихся записях Папы Леши. Сохранились кустарно записанные «арбатские» песни раннего периода, и то малая часть. А весь «поздний» период, когда Бармутов сутками музицировал у себя дома в жанре гитарного авангарда, созидал свою теорию белого шума в музыке, создавал на глазах хиппи-окружения сложнейшие импровизационные композиции на грани шумов и самого бескомпромиссного арт-рока – оказался совершенно не запечатлен даже на уровне домашней студии.

Тем удивительнее, что многие из присланных на конкурс треков фактически воссоздают некоторые направления экспериментов авангардиста Папы Леши! Словно сама музыкальная ткань дает векторы для широкого мышления как в изящно-юморной акапелльной композиции «Муха» от дуэта «Тяни-Толкай» из Петербурга. Гитарные остинантные пассажи в духе Фриппа, которые выруливал Папа Леша в оригинале, тут обратились в позвякивания колоколец и нисходящие октавные мелизмы, холодящие и смешащие одновременно. Завершается трек митьковским «Опаньки!» - блистательный питерский акцент. Не случайно этот трек уже находится в ротации Радио NEWSmusic Вне Жанров!
Не менее ошеломляет оригинальное прочтение Арсена Мартини. Он сделал ироническую зарисовку из жизни российских хиппи «Тусовка» («Сегодня четверг, а может быть, вторник…») в жанре… рэпа. Удивительно, насколько органичной оказалась такая версия! Под лиричный фортепианный аккомпанемент звучит усталый от всех этих тусовок безэмоциональный голос. Пожалуй, ради таких неожиданных прочтений стоит проводить конкурсы каверов. Новые напластования смыслов, свежие эмоции, грусть и радость.
Нижегородская электронная группа «Говорящая Мёртвая Голова» окунула сардонического «Прохожего» в стихию darkwave и электропанка, отчего вдруг стало казаться, что ее поет Василий Шумов и группа «Центр». Уйдя от оригинальной мелодии, «Голова» разложила текст по молекулам, и нашла в нем зловещие предзнаменования и трагическую возвышенность. В конце концов, «Говорящая Мёртвая Голова» создала мрачноватый мир с язвительными колоколами, извилистыми шумами и совершенно мизантропическим посылом. Знал ли ее идеолог Михаил Суслов, насколько похожи его мысли с поздним незафикированным творчеством Папы Леши? Вряд ли. Но он пророчески предугадал его.
Конечно, больше всего ожидалось треков в более привычной рок-стилистике. И тут нашлись свои сюрпризы. Гараж-инди-рок с надсадными гитарными риффами от московской группы UM3 в заявленном жанре «шиномонтаж» точно уловил настроение песни «Нам ничего не надо». Презрение к тем, кто «ничего не может» и кому «ничего не надо», к равнодушным потребителям и унылым исполнителям чужой воли. UM3 смогла язвительно развернуться в этом дискурсе. Хрипловатый голос вокалиста признается в немощи и безволии, сваливает вину за бесчестные собственные поступки на «дядю». Песня заставляет задуматься. И, кажется, прекрасно звучит именно в концертном варианте.
Зеленоградские альтернативщики «Ian Kay» сделали едва ли не цоевский фортель: под бодрую пульсацию ритм-секции и ритмичные гитарные риффы проговаривать жизнерадостно совершенно мрачные сентенции. Получается зияющий смысловой зазор, отчего хочется вникать и вникать в этот текст Папы Леши. Узнавать недобрые стороны человеческой натуры, и ужасаться тому, что они есть и в самом тебе. Музыка Ian Kay беспощадна: она заставляет подстукивать ритм, подстукивать перечислению грехов и уведомлению о том, что «все хорошо».
Наконец, среди каверов Папы Леши появился трек с участием самого Александра Чернецкого, легендарного лидера группы «Разные люди». Он поет бэки в версии московской группы «Макс Орех Бэнд», ранее известной под названием «Небесная дверь». И версия-то вовсе необычна – задорная помесь кантри, блюза, рока. Песня получилась по-настоящему хитовой и запоминающейся. Не случайно она уже стоит в ротации Радио Русский Рок NEWSmusic. Сама песня Папы Леши – из раннего периода, отчасти отсылает к «нравоучительным» песням «Машины Времени», однако прямо противоположна ему по вектору, вывернута наизнанку. Мораль «Я убеждался и не раз, что в мире всем дороже вещи нет, чем ложь». Каковы аргументы – стоит послушать саму песню. Первым делом стоит отметить прекрасную аранжировку, задуманную Максом Орехом, и весьма убедительное двухголосие на припеве, совместно с Александром Чернецким.

Напомним, что победители конкурса примут участие в фестивале памяти Папы Леши, который состоится 11 октября в одном из московских клубов. Но самая главная цель конкурса, который проводится NEWSmusic.ru и RealMusic.ru – вернуть эти великолепные образные песни в концертную жизнь, дать их слушателям и зрителям.
Кажется, конкурс уже начинает давать вторую жизнь многим песням. Это большое дело.

Артур Эйзен исполняет песню "Лапти". Странное впечатление. Обратите внимание на люстры, костюмы, мимику и аккомпаниатора на красном рояле. Какие у господ североведов будут мысли насчет единства содержания и формы этого произведения в таком исполнении? Так ли надо петь такие песни? А если не так, то как?

http://www.youtube.com/watch?v=F961s9zZHwk&feature=related

Дело, разумеется, не только в том, что «АукцЫон» здесь выступает без саксофона и, соответственно, играющего на нем Николая Рубанова. Все остальные музыканты, кроме Леонида Федорова, отложив в сторону привычные инструменты, вооружились на этот раз всевозможными перкуссиями, шумелками, шуршалками и скрипелками. Очень редко подключается труба. Напомним, в том же 1997 году вышел первый сольный альбом Леонида Федорова «Четыресполовинойтонны». Федоров, исполняющий песни «АукцЫона» под гитару, смотрелся тогда еще весьма экзотично. Большая сольная карьера, замысловатые эксперименты с контрабасистом Владимиром Волковым и поэзией Введенского - это будет еще впереди. А пока - очень необычно, очень по-домашнему. «Междусобойчик такой», - смеется Федоров в начале выступления.
От музыкантов группы на этой записи можно услышать не только любимые песни, но и... анекдоты, рассказанные как-то невзначай, между делом. К слову пришлось!
Ну, а самым удивительным номером программы можно признать песню «Сосет», которую здесь поет, аккомпанируя себе на гитаре, Олег Гаркуша. Все привычные интонационные акценты в его исполнении переставлены с ног на голову, и слушать без улыбки этот номер невозможно. На фразе «И все же сосет» народ в зале разражается гомерическим хохотом. К слову - Олег Гаркуша - автор текста песни, и потому он, по законному праву, на этот раз поет в песне еще один куплет, весьма милый, который в канонической версии отсутствует.
В полном видео-варианте концерт публикуется впервые, и тому есть причина: фрагмент изображения в оригинале по техническим причинам отсутствует. Но издатели вышли из положения, применив креативный ход: на сохранившийся звук положили изображение монитора видеокамеры, поставленной на "rec". Не пугайтесь - такое длится всего секунд двадцать!

Ссылка: http://www.youtube.com/watch?v=fkMIQUyhhOk&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=0s6YxSD4tII
http://il.youtube.com/watch?v=nwcbCYK9oKM&feature=related
http://il.youtube.com/watch?v=nk-rZWKlIsY&feature=related
http://il.youtube.com/watch?v=ex_dHEv6Ekk&feature=related
http://il.youtube.com/watch?v=JJL1U-8wklE&feature=related
http://il.youtube.com/watch?v=lIE-aoSFyio&feature=related
http://il.youtube.com/watch?v=PyyfJCkcBL4&feature=related